Picasso, le peintre qui a changé la sculpture pour toujours.

Picasso, le peintre qui a changé la sculpture pour toujours.

Richard Serra a déclaré: “Picasso semble en fait plus inventif en sculpture qu’en peinture.”

Assister à l’exposition de sculptures de Picasso au MoMA, c’est être témoin du fonctionnement secret d’un esprit créatif implacable. Jamais scolarisé en sculpture, il était libre d’explorer son potentiel, sans crainte de l’échec. Associé à son sens du jeu et à son attitude rebelle, il a travaillé dans le fossé entre la peinture et la sculpture. Il n’a fait aucune supposition sur ce que pouvait être une sculpture et il n’a pas laissé la convention se mettre en travers de son chemin. Richard Serra a déclaré: «Picasso semble en fait être plus inventif en sculpture qu’en peinture.» Ce que peu de gens réalisent, c’est que le plus grand peintre du XXe siècle était aussi le plus grand sculpteur du XXe siècle. Voir ce spectacle, c’est connaître le canon que d’autres sculpteurs sérieux doivent se comparer.

Cézanne, un peintre qui a non seulement peint ce qu’il voyait, mais aussi ce qu’il voyait.

Picasso a dit un jour: “Les bons artistes empruntent, les grands artistes volent.” et l’artiste qu’il a volé le plus était Cézanne, un peintre qui non seulement peignait ce qu’il voyait, il peignait comment il voyait. Cézanne a évité les taches, «sculptant» son travail avec des coups de pinceau épais, et avec de multiples perspectives, il a réduit ses éléments picturaux à des cubes, des cônes et des cylindres. À partir de ce point de départ, Picasso a créé le cubisme analytique. Picasso a pris Cézanne au mot, et il a peint des cubes qui ont fracturé le plan de l’image, créant un espace de respiration pour que les formes flottent à l’intérieur et à l’extérieur. Facilité par la liberté que lui offrait cette structure, il a enquêté sur de multiples visions de la perception. Picasso a peint quelques-unes de ses œuvres d’art les plus provocantes à cette époque et, heureusement, il a continué à travailler dans la sculpture.

Contrairement à ses peintures, il n’y a pas d’air dans cette œuvre, ce qui limite son potentiel d’exploration spatiale.

La première salle du spectacle montre à quelle vitesse Picasso a progressé dans sa période du début de 1903 à 1909. D’un buste sentimental d’arlequin en bronze à une sculpture primitive en bois d’un nu, vous êtes immédiatement conduit à son œuvre révolutionnaire, Woman’s Head 1909. Modelée en argile, puis coulée en bronze, Woman’s Head, représente son amante, Fernande, de multiples points de vue, alors que des cubes partiellement enterrés émergent d’un bloc d’argile. Picasso essaie de libérer ses cubes et de les faire flotter, mais les processus sculpturaux traditionnels le retiennent. Contrairement à ses peintures, il n’ya pas d’air dans cette œuvre, ce qui limite son potentiel d’exploration spatiale. De multiples points de vue coincés dans la boue de l’argile manquent d’éclaircissements. Heureusement, son processus de peinture a offert une solution à sa situation difficile.

Ce n’était pas la statue d’une déesse, d’un général à cheval ou même de sa maîtresse. C’était une sculpture d’un objet inanimé.

Tout en travaillant sur ses natures mortes, Picasso utilisait des croquis, ou des maquettes, comme référence pour son travail. L’un de ces croquis était une découpe en trois dimensions d’une guitare, faite à la main en carton, papier, ficelle et fil peint, collées ensemble. Une photo de celui-ci existe comme pièce maîtresse dans un tableau tridimensionnel fait de découpes en papier. Une fois terminé, Picasso a eu un aperçu. Pourquoi le croquis ne pouvait-il pas être isolé et être la sculpture? De cette façon, cela libérerait l’espace négatif de son travail permettant aux formes de flotter, comme elles le faisaient dans ses peintures, permettant à plusieurs points de vue de s’entremêler. Cette décision audacieuse a démontré un rejet du sujet élevé de la sculpture. Ce n’était pas la statue d’une déesse, d’un général à cheval ou même de sa maîtresse. C’était une sculpture d’un objet inanimé. D’une guitare! Puis en 1916, Picasso replia la guitare en papier et la rangea dans une boîte. Il y resta 64 ans jusqu’à ce que le MoMA l’acquiert et l’expose à nouveau, peu après la mort de l’artiste. Heureusement, avant d’arrêter la sculpture en papier, Picasso a décidé d’en faire une version plus permanente en 1914.

Il n’était ni sculpté, ni ciselé, ni moulé. Il a été construit.

La guitare 1914 n’était pas faite d’argile, de bois ou de marbre. Il était en métal. Il n’était ni sculpté, ni ciselé, ni moulé. Il a été construit. Il y avait même des lignes (les cordes étaient faites de fils). Il était accroché à un mur. Qu’est-ce que c’était alors? Avec Guitar, Picasso a résolu un conflit entre peinture et sculpture en introduisant un étrange hybride. Certains l’appelaient sculpture picturale.

“Nous avons été délivrés de la peinture et de la sculpture, libérés de la tyrannie imbécile des genres.”

Ici, Picasso répond aux questions «pourquoi». Pourquoi la sculpture concerne-t-elle toujours la forme humaine, alors qu’elle pourrait être celle d’un objet inanimé? Pourquoi ne peut-il pas être assemblé, alors que vous pouvez le construire en métal? Pourquoi doit-il être sur un piédestal, alors qu’il peut être accroché au mur? Pourquoi la sculpture doit-elle être si sérieuse, alors qu’elle pourrait être amusante? En défiant la nature même de la sculpture, Picasso a apporté une nouvelle énergie au médium. Le poète André Salmon a observé: «Nous avons été délivrés de la peinture et de la sculpture, libérés de la tyrannie imbécile des genres. Guitar 1914 a préparé le terrain pour la plus grande exploration et innovation sculpturale du XXe siècle.

Bien que la nature morte en tant que genre relève du domaine de la peinture, Picasso en fait hardiment le sujet de la sculpture.

Still Life, 1914 est la première sculpture à se moquer de la sculpture. Au lieu de sculpter, il peint du bois de pin et de peuplier et les cloue ensemble. Si la nature morte en tant que genre relève du domaine de la peinture, Picasso en fait hardiment le sujet de la sculpture. En dépeignant le déjeuner d’un ouvrier, il offre un commentaire sardonique sur les «hautes» ambitions de «l’art». (Un maître hollandais, fête du XVIIe siècle, ce n’est pas le cas.) Les bois sciés au hasard, usinés et sculptés à la main, réfutent l’esthétique du compagnon du raffinement. Mêlant davantage la peinture et la sculpture, il utilise la peinture pour distinguer la surface du verre (brillant) et le reste des tableaux (mat). L’ajout de franges de tapisserie d’ameublement à pompons, un objet trouvé intégré à la pièce, offre un autre camouflet à l’artisanat, donnant à la pièce un air d’insouciance et de fantaisie. Cet acte audacieux, incorporant des objets réels dans la sculpture, a déclenché une ferveur créative qui résonne encore aujourd’hui. Mais ce n’est que le début pour Picasso, et il y a tellement de pièces à traverser.

Un marchand d’art contemporain l’a déclaré «dessiner dans l’espace».

La quête de Picasso pour faire respirer sa sculpture a conduit à une autre percée, Figure, 1928, une étude rejetée pour la tombe de son ami Apollinaire. Une fois de plus, la perspective d’un peintre crée une nouvelle forme sculpturale, mais, cette fois, en utilisant des images surréalistes. Inspiré des cordes de ses sculptures de guitare, il a créé une pièce entièrement en fil soudé. Un marchand d’art contemporain l’a déclaré «dessiner dans l’espace». La sculpture comme dessin, a libéré le médium, ouvrant de nouvelles voies de créativité en utilisant la ligne et l’air pour l’expression. Une fois de plus, le mépris de Picasso pour le statu quo a montré la voie pour que les artistes utilisent des matériaux et des techniques peu orthodoxes.

Après avoir embrassé le banal en l’incorporant dans son art, il le sanctifie maintenant avec du bronze.

Assemblé à partir d’une selle et d’un guidon de vélo, Bull’s Head évoque un sourire. Une simplicité audacieuse et un bon couplage de deux parties de vélo disparates surprennent avec une représentation d’un taureau. Mais alors, Picasso fait un pas de plus, en moulant l’assemblage. Maintenant, Picasso vient boucler la boucle avec une autre profanation. Après avoir embrassé le banal en l’incorporant dans son art, il le sanctifie maintenant avec du bronze. Le 19e siècle a dû rouler dans sa tombe.

Constitué d’une seule pièce, il a manipulé la matière même de l’oeuvre, pour créer une pièce complexe sans soudure ni soudure. Seule la gravité les maintient ensemble.

Ce que la figure 1928 a fait pour la ligne, la chaise Cannes l’a fait pour la forme. Cette sculpture farfelue interroge les processus fondamentaux de son médium. D’abord découpé dans du papier, plié, puis aplati (à ce stade, Picasso a dit que cela ressemblait à une chaise écrasée par un rouleau compresseur), les artisans ont ensuite plié une seule feuille de métal peint, basée sur le gabarit en papier, pour créer un art objet. Constitué d’une seule pièce, il a manipulé la matière de l’oeuvre elle-même, pour créer une pièce complexe sans soudure ni soudure. Seule la gravité le maintient ensemble. Les plans pliés et tournés créent leur propre espace négatif. Avec un objet banal comme sujet et une forme simple comme forme sculpturale, avec la flexion comme processus et la gravité comme colle, Guitar Cannes a fait progresser à la fois la gymnastique mentale et visuelle de l’art de Picasso – pas mal pour un 80 ans.

Il pose de grandes questions en contestant les préjugés opposés de la peinture et de la sculpture.

Faire le tour de ce spectacle, c’est explorer l’esprit créatif. Comment se forment les nouvelles idées? Comment trouver la confiance et le courage de les embrasser? Picasso montre la voie avec curiosité, réévaluation des hypothèses et rejet des normes de catégorie. Il pose de grandes questions en défiant les préjugés opposés de la peinture et de la sculpture. Sa nonchalance permettait de prendre des risques, avec une attitude à prendre ou à laisser. Quel est le secret de la créativité prolifique de Picasso? Il s’est amusé.

Tom McManus Février 2016